El sueño americano despierta en el Caixaforum de Zaragoza
La muestra 'El sueño americano. Del pop a la actualidad', presentada este martes, propone un recorrido por seis décadas de la historia del grabado en EE. UU., con artistas como Warhol, Rauschenberg o Lichtenstein. Estará en la capital aragonesa hasta 14 de noviembre.
El director del Caixaforum de Zaragoza, Ricardo Alfós, y la comisaria Catherine Daunt, ésta última vía 'streaming', han presentado este martes en el Caixaforum de Zaragoza la exposición 'El sueño americano. Del pop a la actualidad', una muestra colectiva que explora la fuerte irrupción del arte del grabado en los Estados Unidos desde los años 60 hasta la actualidad, a partir de la importante colección de arte gráfico del British Museum, junto con una pieza del Whitney Museum of American Art de Nueva York. La exposición del gran fondo de obra gráfica del museo londinense se expone de forma pionera fuera de la Gran Bretaña en Zaragoza después de recalar en Madrid y Barcelona.
Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Sol LeWitt, Robert Rauschenberg, Guerrilla Girls, Donald Judd, Ed Ruscha, Louise Bourgeois, Robert Longo, James Rosenquist, Chris Burden o Richard Estes son algunos de los artistas representados en esta exposición, que parte del arte pop y también incluye a creadores de otros movimientos artísticos, como la abstracción, el minimalismo, el arte conceptual, la figuración y el fotorrealismo. Dividida en 11 ámbitos y una introducción, se trata de un recorrido temático y cronológico por una época brillante del arte gráfico estadounidense que también refleja la historia reciente del país, con temas todavía candentes en la actualidad, como el conflicto racial, el sida y el feminismo. En la exposición, que explica también la historia de la complicidad entre los artistas y los talleres colectivos donde se elaboraban estas obras, se incluyen técnicas diversas de grabado como la litografía, la serigrafía, el aguafuerte, la punta seca o los fotograbados, entre otras.
La muestra, que en su montaje recrea el colorido y la energía de lo que fue toda una revolución gráfica a través de una museografía de estética pop y gestual, incluye 185 obras de 59 artistas. Entre ellas, algunas muy emblemáticas, como las populares serigrafías de Liz Taylor y Marilyn Monroe, y la de Jackie Kennedy en el funeral de su marido, de Andy Warhol. También, la serie de las banderas de 1973 de Jasper Johns; las obras punteadas de Roy Lichtenstein, influenciadas por las viñetas de cómic; grabados de gran formato de Robert Rauschenberg: 'Booster' (1967), que representa su propio esqueleto y mide 1,8 metros de altura, y 'Sky Garden' (1969), que refleja el momento del lanzamiento del cohete Saturno V y que, con su altura de 2,2 metros, superó el récord de la litografía más grande estampada a mano, que el propio artista había alcanzado, dos años antes, con 'Booster'.
El sueño americano. Del pop a la actualidad supone, además, una reivindicación del grabado, que en los años 60 pasó de ocupar una posición marginal a situarse en el centro de atención de las bellas artes. Los sistemas de reproducción de la imagen permitieron a los artistas explorar con nuevas técnicas y materiales, e incidir de un modo crítico en la sociedad de la época. Además, el uso artístico de la impresión puso en crisis la noción de obra única. En definitiva, el grabado se convirtió, ya para siempre, en una forma esencial para entender la vida y la cultura de su época.
Ésta es la quinta colaboración de la Fundación La Caixa con el British Museum, gracias a la alianza estratégica entre estas dos instituciones que ha permitido presentar al público exposiciones dedicadas, entre otros temas, al arte y la cultura medievales, a la idea de competición en la antigua Grecia, a la figura del faraón o al lujo en la Antigüedad.
La exposición incluye proyecciones audiovisuales en las que se puede ver a algunos de los artistas presentes en la muestra trabajando distintas técnicas de estampación, hablando de sus producciones gráficas o documentando cómo se llevan a cabo las diversas técnicas de grabado. Destaca un vídeo en el que aparece Andy Warhol realizando serigrafías, así como una grabación de Jasper Johns en la que, a través de un plano cenital, el artista presenta una proyección simulando una imprenta.
La exposición arranca su recorrido con el surgimiento del arte pop en Nueva York y la Costa Oeste americana. Numerosos artistas del pop -el más famoso de ellos es Warhol, pero también James Rosenquist, que había trabajado pintando vallas publicitarias en Times Square- provenían de la publicidad y la ilustración, y conocían las estrategias de marketing para captar la atención mediante colores primarios y una imaginería llamativa. La expansión del grabado durante los años sesenta en los Estados Unidos está directamente relacionada con la eclosión del arte pop, que en su filosofía no establecía límites ni diferencias entre arte culto y arte comercial, y que se sentía fascinado por los medios de comunicación y la publicidad. La serigrafía y las técnicas asociadas a la impresión masiva fueron utilizadas por los artistas para llegar a una nueva clase media que podía acceder a carpetas de obra gráfica o a libros de artista de pequeño formato. A estos artistas, la reproductibilidad de la obra gráfica les permitía llegar a un público numeroso.
Los artistas pop, además, toman objetos de la vida cotidiana, así como elementos y temas muy presentes en los medios de comunicación de masas, y los elevan a la categoría de arte. Poco después de la muerte de Marilyn Monroe, Warhol utilizó el rostro que aparecía en el cartel de la película 'Niágara' para sus famosas serigrafías de la actriz. Claes Oldenburg crea una obra a partir de un enchufe flotando en el agua ('Floating Three-Way Plug' ['Ladrón triple flotante'], 1976), y Jasper Johns, que había pintado la bandera americana por primera vez en 1954, la convierte en un icono pop con sus series de grabados empleando múltiples capas de tintas transparentes. El segundo ámbito de la exposición está dedicado exclusivamente a tres artistas del pop: Jasper Johns, Robert Rauschenberg y Jim Dine.
El feminismo también está representado en la exposición con obras de mujeres artistas que denunciaban las estructuras tradicionales del poder masculino. Louise Bourgeois habla de cómo le afecta la maternidad en la obra de punta seca 'Ste Sebastienne' ['Santa Sebastiana'] (1992), y Kiki Smith eleva a obra de arte elementos presentes en los cuerpos de las mujeres, como un óvulo y vellosidad. Del mismo modo, los artistas no blancos, que hallaron muchos obstáculos para entrar en las corrientes artísticas americanas, denunciaron abusos policiales y la violencia racista, en algunos casos en plena segregación, que fue legal en los estados del Sur hasta 1964. Artistas afroamericanos como Emma Amos, Kara Walker y Willie Cole han recuperado y denunciado en sus obras la historia casi silenciada de la esclavitud.
